Durante este mes el arte inunda la CDMX, lee la gran guía que hemos preparado dentro de nuestra revista Chilango de marzo.
Diseño que hablan, que señala, que cuestiona el sistema de mercado y, al mismo tiempo, su propio lenguaje. Diseñadorxs mexicanxs dialogan con otras disciplinas y en sus piezas incluyen materiales de elección consciente. La sexualidad y el género son temas latentes abordados desde el no binarismo y más allá de las jerarquías. Estos proyectos la están rompiendo en la Ciudad de México. ¡Tienes que conocerlos! Pero antes, ¿de qué va todo esto de la moda, el diseño, la vanguardia y el arte?
Las redes sociales y nuestra forma de consumo nxs mantienen atadxs al sistema. No sé si dentro de este contexto histórico, donde la realidad tiene cada vez más capas y simulaciones, es cuando requiero expresiones artísticas. “Eres esclava de la tiranía del diseño”, se burlaba de mí un amigo. Mi justificación era “necesito rodearme de belleza. Con el tiempo he descubierto que –más que lo estético, concepto tan relativo– me gusta rodearme de ideas que me hagan más sostenible la vida.
Luego de la muerte del Tom Verlaine (líder de la banda Television), Michael Stipe (líder de R. E. M.) publicó un tuit: “La música y el arte pueden alterar y cambiar la materia, la vida, la experiencia”. ¡Y sí! Soy testigo de que el arte, la moda, los objetos de diseño y las experiencias ligadas a estas disciplinas pueden cambiar la forma en la que reaccionamos a ciertas situaciones y, por lo tanto, podemos transformar la manera en que nos tratamos y modificar lo que pensamos respecto a otras formas de vivir, distintas a las nuestras.
Quizá parezca exagerado, pero la explicación es casi una fórmula matemática comprobable: la primera vez que mi abuela vio a dos mujeres besarse seguro fue bastante impresionante, la segunda vez lo fue menos y la tercera —después de verlo también en algunas series de televisión y en la calle— quizá lo asimiló como algo ordinario. Ahí la clave de lo que puede lograr una tendencia o un simple acto cotidiano.
Hay que nombrar las cosas para que existan. El diseño tiene esa hermosa duplicidad de ser funcional y estético, de permear directamente a la vida misma, de ser o convertirse en una necesidad. Lo necesitamos tanto en los contenidos que consumimos, como hasta en los objetos que usamos en la cocina o las prendas que usamos para cubrirnos del frío. Me gusta creer que el diseño puede ayudar a que en este mundo tengamos ideas más compasivas, respetuosas y amorosas.
DISEÑO JOVEN
No me refiero a fenómenos cuya esencia sea la edad de quien los hace, sino a que tengan actitud innovadora, curiosa, atrevida y cambiante. Hoy en día, las contraculturas y las vanguardias carecen de núcleos creativos y todo se vuelve popular a mayor velocidad y eso no nos deja espacio ni tiempo para vislumbrar estos fenómenos. Cuando creemos que apareció un movimiento, este es rápidamente absorbido por la nube de lo comercial y a veces lo que creíamos que era un producto alternativo, al final es mainstream.
Pero en el mundo del diseño hay talentos que hablan, critican y se inspiran en la cultura de masas, en específico, en la cultura mexicana. Cuestionan su mismo lenguaje o el sistema de mercado del diseño o la manera en la que vivimos hoy en día. No buscan una producción grande, sino que se enfocan en el valor de cada pieza. Son multidisciplinarios, trabajan desde otras expresiones —música, arte, arquitectura, performance—, y suelen utilizar materiales de segundo uso o de elección consciente.
Hay otros temas que parecen darse por entendido con estas firmas: muchas de ellas contemplan la sexualidad como un tema libre y latente, el género no es abordado desde el binarismo y las redes, tanto emotivas como laborales, buscan rechazar jerarquías.
Por eso encuentro esperanza en el futuro: porque lxs jóvenes asumen su responsabilidad política como creadorxs.
Los siguientes proyectos, además, cohabitan en nuestra querida Ciudad de México.
10 (+1) PROYECTOS DE DISEÑO QUE LA ESTÁN ROMIENDO EN LA CDMX
FARO
¡Qué hermoso que tu materia de creación sea la luz! Al final, todo lo que vemos es la luz que rebota en la materia. Tiene sentido que se pueda diseñar a partir de ese principio. Suena tan diferente al resto de las demás prácticas que pensaríamos que tiene muchos límites, al contrario, sus posibilidades son múltiples. Faro es de las pocas iniciativas en México que realizan este tipo de experiencias de iluminación. Conformado por Cecilia González, Sofía Arredondo y Andrés Bravo, elles pueden hacer que en una misma pared aparezcan tres colores sin que estén pintados o que en un cuarto sea siempre de día. Este año presentaron “Huésped”, una experiencia de instalaciones de luz en el Edificio Francia de la colonia Roma (sí, ese que parece que se va a caer) hechas a partir de materiales de la misma arquitectura del lugar.
Web: faro.studio
IG: @faro__________
LAVA STUDIO
Es visible cuando se produce por el placer de manipular un objeto, jugar y cuestionar su materialidad, geometría e interacción con lo que le rodea. Así se llega, por ejemplo, a la técnica rocaleta, que es cuando algo tiene muchas capas de pintura y al rasparse genera una textura que parece o una paleta lamida o el universo. Lava Studio es un proyecto encabezado por Valentina Villarreal y Alberto Vivar, diseñan y producen objetos y espacios. Lava indaga sobre las características específicas de cada sitio y soluciona de manera multidisciplinaria alterando los mismos materiales y espacios de forma experimental. En dos palabras: se divierten. Muchas cosas de las que hacen tienen que ver con generar comunidad, desde una bola disco gigante hecha de pantallas de iPhone que se presenta en festivales o galerías, hasta exposiciones de otros artistas. También tienen un proyecto de recuperación de objetos antiguos y una marca de joyería que resignifica la moneda mexicana.
Web: lava-mx.com
IG: @es_lava_studio
TREMENDA
Andrea Moreno, aka Babybruise, es uno de mis personajes favoritos de la Ciudad de México. Recuerdo tenerla presente desde hace años con su cara de actriz antigua haciendo de dj en una oscura pista de baile o modelando para alguna marca de ropa. Ella hace joyería bajo el sello de Tremenda. De repente tiene colaboradorxs, de repente lo hace sola. Busca darle otro uso a la basura digital y a objetos que iban a pasar a otro plano: acero inoxidable, piezas de iPhone (desde las cámaras, hasta los vibradores), resina epóxica y otras cosas que estén a su alcance. La basura es reinterpretada y convertida en hermosa joyería que se puede usar en una noche loca o en una noche de gala.
IG: @tremenda.asf
SENTIMIENTO
El nombre lo dice todo. María Isas es la artista detrás de esta marca conceptual. Un vestido hermoso hecho de las sábanas de las mujeres de su familia, de textiles floreados que llevan en sí historias, tristes y felices. Casi todas sus prendas están hechas de otras de segundo uso, mucha lencería, mucho encaje y así ha llegado a tiendas en todo el mundo, París, Nueva York, Japón. Sentimiento crea una nueva narrativa en torno a nociones de género, consumo y su propia genealogía. Aparte de prendas, María hace cuadros, fotos y performances en los que le pone el cuerpo a su proyecto. También se ha convertido en un motor de la creación joven con su proyecto Tacubaby, un pop up que se ubica, de vez en vez, en el mercado que está afuera del Metro Tacubaya.
Web: sentimiento.world
IG: @__sentimiento
MUGAK
A veces lo más cotidiano es lo más inspirador. Mucho se habla de hacer diseño contemporáneo con técnicas artesanales del pasado y, en ese sentido, lo que hace Juan Pablo Lascuráin bajo el nombre de Mugak es de lo más representativo de la ciudad y es un mundo de posibilidades para los objetos realizados con papel maché o con técnica de piñatas. Lámparas, burós, tapices, platos y esculturas gigantes son algunos de los objetos de colores que habitan este mundo. El proyecto se remite a la tradición no solo en sus técnicas y materiales, sino también en sus temáticas: una piñata rosa gigante que representa a la madre y la constante presencia de la infancia mexicana expresada también en piñatas de formas abstractas.
IG: @muga___k
ANANDA CORDERO
Cuando veo una foto del trabajo de Ananda siempre tengo que regresar a entender qué es lo que está en la imagen, porque lo que parece una escultura de vidrio o una joya en realidad es comida. Ananda estudió diseño gráfico y lo que empezó como una revista sobre arte y comida cofundada con su amiga Nidia Juárez, terminó como una pasión por explorar la comida como materia de diseño. Sus técnicas recurrentes son las transparencias, la mayoría de las veces logradas con grenetina o caramelo), mismas que le ayudan a generar metáforas, puesto que con ellas puede encapsular cosas. Aparte de la comida, le gusta pensar en las experiencias que se generan alrededor de esta. El lenguaje universal para demostrar amor es la comida, por lo que por medio de ella todxs nos podemos conmover.
IG: @kimberly_clarkkkk + @queremospastel
APR DEL ESP
“Considera, por ejemplo, un tapete como consideras un muro: los dos objetos pueden determinar, sugerir o facilitar actividades en el curso de la apropiación”. Ese es el título de una de las piezas hechas por este estudio: un tapete de entrada que fue parte de una exposición colectiva en torno a los procesos de trabajo de distintas oficinas de arquitectura. Cuando APR DEL ESP hace un levantamiento arquitectónico, además de dibujar los objetos que tradicionalmente se consideran (muros, pisos o techos), también dibujan lo que está en el espacio, como los muebles y otros objetos. El registro del proyecto se convierte en el resultado de las conversaciones a partir de esos levantamientos con clientes y comunidades que lo habitan. Su trabajo siempre está lleno de humor, un ejemplo: la casa de Winnie Pooh, sobre la que hicieron una investigación profunda, una maqueta y un texto, Notas sobre la casa árbol de Winnie Pooh que resultó en un libro publicado por Ediciones Hungría. “Notas sobre la silla blanca de plástico” y otras de sus metodologías se pueden ver de manera gratuita en su página web, muy recomendable analizar más ahora que estarán a cargo del Pabellón de México en la edición 18 de la Bienal de Arquitectura de Venecia. APR DEL ESP lo conforman Carlos Edgardo Romero Mota, Iyari Galicia Amancio, Fernanda Gómez Seoane, Luz Elena Torres, Diego Sebastián Pulido, Bernardo García, Ofelia Arias, y los de siempre: Guillermo González (Willy) y Rodrigo Escandón.
Web: aprdelesp.com
IG: @aprdelesp
PANORAMMMA_
Estudio de diseño de muebles liderado por Maika Palazuelos. Su trabajo está enfocado en la creación de “pseudo props” e historias ficticias a partir de esos objetos, o sea que cada pieza tiene una narrativa. Esto puede ser que provenga de su formación en el arte y una constante búsqueda por introducir fantasía en la vida cotidiana, otras posibilidades para las cosas. Por ejemplo, la silla hecha de residuos de un conglomerado de metales que no suelen ser para soldarse, pero que tiene una forma orgánica que parece casi coral, por lo tanto, es la silla de un pescador ficticio, ahí la literatura detrás del objeto. Ahora imaginemos la historia detrás de la silla hecha de cadena medieval o de la veladora que habita en una caja de primeros auxilios.
IG: @panorammma_
Web: panorammma.com
V.ARRAGAN
Víctor Barragán, es el nombre del creador de esta marca de moda que le encanta provocar a todo ojo conservador. Siempre consciente de que en el mundo del diseño y el arte se puede generar una fantasía que a veces en el mundo real no es permitida: mujeres en vestidos que muestran los senos, hombres con dudosas manchas blancas en los pantalones, pero, sobre todo, un gran manejo en la hechura, los gráficos y las temáticas en cada colección. Él, siempre con un pequeño toque de burla, reinterpreta la cultura, como lo ha hecho con el logo de Nsync o de una cadena de hoteles muy popular en México. No le tiene miedo a nada, puede inspirarse en el consumo de drogas o en el trabajo de Barragán, el arquitecto. Y con su mobiliario y objetos ha sido igual de subversivo: bolsas que parecen piedras o mesas que simulan ser una pesa de gimnasio, pero llenas de picos (o sea que no se podrían cargar).
IG: @v.arragan
ANDRÉS SOUTO
La “lámpara charco” es una cubeta de mercado suspendida unida a un bloque de concreto, más clara no puede ser la influencia de la ciudad y la vida misma en la práctica de mUcHo taller, fundado por Andrés Souto, quien también da una clase llamada “Arquitectura de la Cultura Popular”. De manera obvia, Souto se inspira en lo que no cabe dentro de la disciplina y de los parámetros establecidos, para especular cómo evoluciona la autoconstrucción o los métodos y procesos fuera de los libros. En mUcHo taller encuentras proyectos de hoteles y casas, pero también tinacos pintados o percheros hechos de varilla de construcción.
Web: muchomuchomucho.mx
IG: @soutonco
LANZA ATELIER
Lanza Atelier nace de la fusión entre Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Ellxs, además de haber creado este proyecto, son pareja, tienen dos bebés, una casa hermosa y una manera bella de ver el mundo y existir en él. Isabel escribe y Alessandro tatúa. Les gusta diseñar pensando en el concepto de la ruina: no como algo del pasado, sino como algo que durará muchos años. Suelen utilizar materiales locales, en miras de conectar con el espíritu del lugar donde se habita. También abordan sus objetos y muebles desde la arquitectura, y así logran sillas plegables que se convierten en una línea recta, mesas escalera con capacidad para 26 personas, bibliotecas móviles, e incluso una caja de acuarelas inspirada en la paleta de colores de Juan O’Gorman.
Web: lanzaatelier.com
IG: @lanzaatelier