Dicen que una imagen dice más que mil palabras: Esta verdad universal alcanza su máximo punto de esplendor en el diseño, a través del cual Maricris Herrera ha transformado nuestra forma de aproximarnos al arte contemporáneo. Platicamos con esta destacada diseñadora mexicana sobre su labor editorial y sobre su colaboración con diversos espacios museísticos de la capital. Aquí te compartimos todo lo que nos contó.
Maricris Herrera y el diseño en el arte contemporáneo
Durante los últimos quince años, Maricris Herrera ha logrado configurarse como una de las mayores representantes del diseño editorial en México y el extranjero; su producción y diseño creativo, siempre ligados con el arte contemporáneo, han dado por fruto numerosos materiales gráficos y publicaciones editoriales.
Arquitecta de profesión, Maricris reconoció desde épocas muy tempranas que su vocación estaba más cercana al mundo de la creación visual que al de la proyección arquitectónica. No obstante, su estilo en el diseño se ha visto claramente enriquecido —y definido— por esta formación universitaria:
Definitivamente en mi trabajo hay mucho de arquitectura. ‘Forma vs. fondo’: aunque sé que son importantes en todas las artes, yo he trasladado estos términos de la arquitectura —a mi manera y “deliberadamente”— a mi práctica como diseñadora. Sucintamente, diría que el fondo es lo que decimos y la forma es cómo lo decimos. La forma es una carta de presentación y no hay duda de la importancia que juega en un primer impacto.
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Ya encaminada hacia el diseño y con experiencia en identidad gráfica con el Museo de Arte Contemporáneo de Sinaloa (MASIN), Maricris Herrera se integró al equipo de trabajo para la apertura del Museo Jumex en la Ciudad de México, donde fungió como directora de diseño.
Fue una gran responsabilidad que crecía conforme se acercaba la inauguración, pues me iba dando cuenta de la importancia internacional de este proyecto. Esto me ponía muy nerviosa, ya que era la primera vez que mi trabajo tendría una visibilidad así de amplia. Para ello se decidió integrar a un diseñador extranjero que sumara renombre a la lista de colaboradores, así que invitamos a John Morgan, diseñador británico. Trabajar con él fue algo que considero clave en mi carrera y formación.
A estos triunfos se sumaron la fundación de Estudio Herrera y la participación en el proyecto editorial para la 8 Bienal de Berlín. Posteriormente, Maricris lideró el equipo para crear la identidad gráfica para el Museo Tamayo, recinto en el que continúa trabajando hasta la fecha.
Para el Museo Tamayo la responsabilidad no fue menor, pero allí confirmé que cualquier práctica puede ser divertida y que es posible plasmar en diseño cualquier guiño a partir de esos momentos de ‘gozadera’. Fue en ese tiempo cuando decidí que el logo debería leerse como siempre nos hemos referido al museo: el Tamayo, ya que pocas veces lo llamamos por su nombre completo: MUSEO TAMAYO.
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El diseño de Herrera en el mundo editorial
Además de sus contribuciones a la identidad gráfica de recintos culturales, Maricris se ha destacado por sus publicaciones en el campo del arte contemporáneo y su labor en torno al libro. Al respecto, la diseñadora nos comparte sus impresiones sobre el poder del elemento visual en este objeto:
Pienso en un libro como un contenedor de cuatro dimensiones (x, y, z y el tiempo), un objeto provocador, una experiencia. Es lograr que todas estas sensaciones se transmitan a partir de un discurso narrativo y visual, entendiendo que cada imagen y cada texto necesita ocupar el lugar que le corresponde, no precisamente dialogando, sino habitando una sucesión de espacios.
La diseñadora recientemente ha liderado el diseño para la publicación Tamayo 40, donde se repasa el proceso de concepción, gestación y apertura del Museo Tamayo a lo largo de 40 años. Para esta publicación (así como para sus trabajos previos), Herrera parte del principio de que el libro físico ofrece una experiencia sensorial única, la cual no compite ni se sustituye con los soportes digitales de esta era.
“El tacto es el primer sentido que desarrollamos; por lo tanto, es una parte crucial de las emociones. Es un sentido que no se puede apagar y su poder es enorme”. Además, añade, “Es sensibilizarse ante lo que provoca un cambio de papel mientras un libro es abordado, lo que transmite su textura y cómo estas sensaciones pueden transportarte, o incluso, desconcentrarte a manera de provocación”.
Y si bien el libro constituye una experiencia sensorial completa, lo cierto es que el diseño no debe desviar la atención de lo esencial: su contenido. Sobre este tema, Herrera sostiene que los elementos visuales no deben ser presuntuosos, sino transparentes y claros con su público para lograr una conexión genuina.
Siempre menciono que en mi trabajo hay una deliberada “falta de diseño”. Para mí, esto significa que lo más importante son los contenidos: Pienso en ellos antes de pensar en mostrar mi trabajo; mi enfoque está centrado en que sea claro y amigable para el lector o el espectador; busco que la información tome su forma y no que el diseño le dé forma a la información.
Finalmente, Maricris Herrera nos comparte que su intención es llegar más allá del nicho del arte contemporáneo por medio de sus publicaciones. Además, añade que la aplicación correcta de estos principios en el diseño editorial puede contribuir en la meta de incrementar el interés por la lectura y el arte en México.
Hace tiempo leí esta frase: ‘Si no tienes nada que decir, no lo digas; por muy ingenioso que seas y por muchas metáforas que utilices, el lector cerrará tu libro tarde o temprano’. Lo mismo pasa en el diseño gráfico: No diseñes lo que no necesite ser diseñado. Libros, arte, cultura… Nada de esto necesita más conceptualización; por default ya están cargados de conceptos y mi papel como diseñadora gráfica es entenderlos y saberlos contener.
Si quieres conocer más sobre el trabajo de esta importante creadora mexicana, date una vuelta por la página oficial de Estudio Herrera, así como en sus redes sociales.
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